創作日常184 - 藝術創作的不夠環保的自我道德譴責

最近讀報得知，

香港屯門環保園現代化紙漿生產設施

已於2026年7月底啟用。

10月1日起，

本港回收廢紙將全面於本地製漿，

毋須運往外地處理。

環保署表示，

設施每年可處理72萬公噸

（即每日近 2000 公噸）廢紙，

將回收物轉化為紙漿等原材料，

可作本地資源，

更可出口至內地及東南亞等市場，

實現升級轉型。

這個消息對我來說，

釋放了我在創作上的某種不安感。

我早年的創作以簡單的手繪四格漫畫為主，

一張紙加一支筆就可以創作。

漫畫很少機會畫錯而要翻手再畫，

畫一幅就有一幅，很少棄畫變成廢紙，

是不算製造垃圾的創作。

近年多畫水墨畫。

水墨畫要常練習，

要用很多紙；

水墨畫也容易畫壞，

最後能完成一幅畫，

之前可能製造了許多廢畫紙，

需要回收。

我也有環保意識，

會將廢紙分類棄置，

讓廢紙可以加工循環再用。

但幾年前聽過一些城市傳說：

很多分類回收的各種垃圾，

因本地缺乏足夠的回收處理設備，

最後都與普通垃圾一同送到堆填區。

這類城市傳說不知是否屬實，

卻給我的創作施加了很大的壓力——

想到自己可能製造了許多堆填區垃圾，

便不敢用那麼多紙，

藉此減低強烈的罪惡感。

現在得知這個設施每年能處理多達72萬公噸廢紙，

我相信自己因創作所製造的廢紙，

有很大有機會可製造成新紙再用，

這減輕了我的「不夠環保的自我道德譴責」。

得知因創作而製造出來的廢紙

有機會重生再用，

減輕了困擾我創作的不安感，

終於可以心無旁騖，集中精神在一點之上投入創作了。

創作日常183 - 創作影響思維

創作要透過某種形式去表達一些內容。 

個人的經驗顯示， 

以一個特定的創作形式持續一段長時間創作， 

會影響人的思考習慣。 

我曾經有一段很長時間以四格漫畫的形式創作， 

後來發覺對我的思考習慣有深遠影響。 

四格漫畫的創作方式， 

一般是利用四個畫面， 

連續去表達一個意念、 一個故事或一個陳述。 

四格漫畫一般採用「起承轉合」的方式去推展內容。 

但因為只有四格空間的有限篇幅， 

內容不可能太複雜， 

而四格漫畫的整體內容的解題、 

結論或扭橋都在第四格。 

習慣了四格漫畫創作， 

對處理日常生活的思考也不知不覺

採用了四格漫畫的簡單方式去思考， 

以採取行動、執行決定或解決問題。

我是在畫了一段很長時間的四格漫畫， 

才發覺這個「起承轉合」創作形式

對個人思維的影響。 

可以說， 四格漫畫思維對生活小片段的處理有大裨益， 

因為這種思維有助自己高效滿足生活所需， 

不會拖延，並能快速看到行動結果； 

但其缺點是會阻礙自己對

跨長時間的生活規劃的思考，

因為長期不能「合」的事物會

令心理有被懸空的感覺， 

產生不安情緒， 

於是人就會潛意識抗拒做

長遠的生活安排和決定。

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2009年10月28日 星期三

四格的一二三八格... ( 四格之所以四格 之 九)

https://franslaiblog.blogspot.com/2009/10/blog-post_28.html

創作日常182 - 展後即棄的作品原作硬體

最近讀了一篇訪談文章，

作者訪問了一位藝術家，

問及他的一些舊畫作的去向。

藝術家表示全都送往了堆填區，

因為這些 5 呎乘 4 呎的大幅畫作並無收藏之處：

他既沒有畫室，也沒有資金，

作品也無人收藏。

藝術家亦提到，

很多時候展覽結束，

整理作品時，

大部分都會直接丟進就近的垃圾站。

上述棄置作品的情況非常普遍。

尤其是大型裝置作品，

許多在展覽結束後，

都必須將其解體棄置。

在此環節上，

創作人多會透過文字、照片、

錄影、3D 模型等載體來紀錄作品。

這不失為一種延續作品存在、

節省儲存空間的「移形換影」替代方案。

 

創作日常181 - 不要亂加筆墨

最近為一個聯展完成創作了兩幅水墨作品。

在交畫期限前一日，

我手癢又在新作品上添了幾筆。

那些筆墨因為墨化程度不同，

筆觸也與之前略有偏離，

於是破壞了整幅畫的整體風格。

我自覺就是因為那幾筆把畫弄壞了，

所以不能交去參展。

於是只能交出其他畫作取代。

其實在創作一幅作品時，

到某一刻覺得完成了，

就停止繼續創作；

之後再看作品，

又覺得創作還未完成，

其實是不足為奇的，

因為人的感覺是不斷發展和改變的，

對自己的作品的要求也會有改變。

但有些創作媒介類型的創作，

作品很難添加內容。

例如在宣紙上畫的水墨畫，

畫作要講氣氛、重留白、

整體要求筆墨風格一致。

後補的內容與原畫作容易不配。

今次的創作啟發，

是完成創作後不要亂加筆墨，

以免壞了創作。

創作日常180 - 衣不稱身的參展

在香港參加傳統的書畫聯展，

主辦單位多會事先通知參展者展位的尺寸，

以便大家準備大小合適的展品。

我最初參展時，總習慣用盡所有空間來提交作品。

但漸漸地發覺，

單純考慮展位面積並非最理想的做法。

相同的展出空間，

若置於大型展覽場地，

與放在小型展館中，

視覺上的空間感截然不同。

以我個人的選擇來說，

現在若在大型場館參展，

我會善用空間展出較大幅的作品；

而在小型場館，

我則選擇留白，

改為展出小巧的畫作。

我曾在小型展館展出較大幅的作品，

對比整個展場空間的比例，

視覺效果並不舒適，

自覺有如衣不稱身般格格不入。

因此，如今若為了參展而創作，

要決定展品大小，

我也會將展覽場地的大小一併納入考量。

其實，這種對作品尺寸與空間關係的思考，

同樣適用於展覽場館的營運規劃：

大型場館適合舉辦大氣磅礡的展覽或活動；

小型場館則適合舉辦小巧精緻的展覽或活動。

凡事out of proportion

就是不理想的表達。

創作日常179 - 田園書屋 x 藝術評論

  

 田園書屋除了賣書，也出版書。

劉霜陽（本名劉健威），

畢業於香港中文大學藝術系。

1986年開始在《信報》及其他報刊

撰寫視覺藝術評論與展覽分析。

田園書屋有為劉霜陽的文章結集

先後出版了三本文集包括《鏡子裏的風景》 、

《劉霜陽畫框之外》 （1992)

及《流動風景：劉霜陽藝術評論集》(1995)。

我很喜歡閱讀與視覺藝術有關的書籍，

所以我在田園書屋遇見《畫框之外》及

《流動風景》都有購買。

但《鏡子裏的風景》無緣遇上。

那時書買了，

因為很多文章在報章刊登時已看過，

看書時只揀了一些文章速讀就將書收藏起來了。

整理舊藏書找來了這兩本書再讀，

覺得有點怵目驚心：

因為事過境遷，

1980年代中至1990年代初的很多事情，

經過30多年迄今，

有些有了大改變；

有些卻沒有絲毫改變。

近年很少這類藝術評論的書籍出版。

其實向來都很少這類藝術評論的書籍出版。

田園書屋有為劉霜陽出版了三本藝術評論集，

其實都很難得，

因為這類書一定不夠劉健威的食經書好賣。

創作日常178 - 文化藝術的創作和管理

最近在實體書店買了兩本書名含有「文化」一詞的新書：

邱禮濤著作的《文化不是什麼：邱禮濤的文化思考與實踐》及茹國烈著作的《文化永續城市：讓文化創造可持續社會》。
這兩本書講述的是有關文化的多種面向，範圍廣闊。若將文化集中到文化藝術創作的範圍上，兩本書都有專章討論：
《文化不是什麼》有〈拍電影作為資本主義社會文化研究的策略〉這篇長文；
《文化永續城市》中有「藝術與永續」欄目內的多篇文章。

大體而言，《文化不是什麼》的上述文章，主要是從一個文化創作人的角度去闡述文化創作的議題：邱禮濤從資深電影創作者視角出發，探討如何在商業體制與現實限制中突破困境。他強調創作者須發揮個人理念與尋求資源，在有限條件下精準執行作品，透過電影作為批判社會的策略，於規範中尋求創新與文化主體性。

而《文化永續城市》的有關文章，主要是從一個文化管理人的角度去闡述文化管理的議題：茹國烈從資深藝術行政與管理者的視角，闡述文化如何推動城市永續。他強調管理者需設定框架與遵守規律，在有限資源下達成效益最大化，並兼顧政府、大眾與創作者等多方利益相關者的權益，建立健康的永續文化生態。

文化藝術創作的實踐一定牽涉兩個不同的角色：一個是藝術創作人；另一個是藝術管理人。舉個例說，一個藝術創作人要於一個場地主辦一個畫展，場地管理人就是藝術管理人。藝術管理人會協助藝術創作人在場地安排展覽他的作品。

當然，文化創作人及文化管理人的角色可以互換，也可重疊，在合作時，在有需要時要互補、遷就和妥協。

創作日常177- 創作自主

最近，我有一位從事純藝術創作的朋友，

找到了一份正職的設計工作。

她完成藝術學位課程後的四五年間，

以兼職支持她的藝術創作，

現在是第一次做正職的設計工作。

她工作的地方是一個中型設計團隊，

她有多位上司。

這份設計工作既要跟隨團隊的大方向指引，

又要跟隨直屬上司的設計策略和要求，

所以她的設計工作有很多限制。

她的設計圖稿常被多層上司修改，

這令她十分挫敗。

她本身是以藝術創作為最重要的志向，

喜歡創作甚麼就創作甚麼。

現在做設計，完全是不同的處境：

藝術創作，大體上是為自己創作；

做設計，大體上是為別人創作。

受薪職業當然是要為了顧主的需求而創作，

這是必要的妥協。

但其實，藝術創作若是為了吸引買家，

自我調節以滿足買家的要求，

也會刻意或不經意間作出了妥協。

如何處理這種創作自主的落差，

真的全靠本人的感悟了。

創作日常176 - 重心放在策展人身上的藝術展覽

一個由策展人策展的藝術展覽，

其展覽重心可以放在參展者身上，

也可以放在策展人身上。

由鄧海超教授 （1955-2026）策展的

《水墨何為 -- 香港當代水墨藝術》 （2026），

可視為重心放在策展人身上的一個藝術展覽。

這個展覽的內容，是通過策展人挑選的56位 

活躍於香港1960年代至今的不同流派的

水墨藝術創作人的代表作，

去記錄及展示這段時期的香港水墨創作的多個面貌。

策展人為每位參展者展出2至4件新舊作品，

反映參展者本人在他的創作時間軸上

不同時期的創作內容和面貌，

側面反映他們的創作

如何回應他們所處的時代發展，

或時代如何令他們的作品有所轉變。

  這個展覽可視為策展人的個人精選（personal picks）。

展覽內容記錄並展示了策展人想要告訴觀眾的訊息——

在他眼中香港當代水墨藝術

從1960年代至今（迄至2026年）

究竟呈現出何種模樣。

鄧海超教授 近年策展了多個大小不一的藝術展覽，

其中包括2021年展出，極受歡迎的

《師自然·創藝境：嶺南派宗師高劍父畫稿及作品展》。

這個展覽重心當然是放在高劍父身上的一個藝術展覽。

 

創作日常175 - 新舊作品有變嗎?

最近看了一個畫展，

策展人安排為

每一位參展業者展出兩幅作品——

一幅是近作，一幅是舊作。

資深畫家的新舊作品，

可以相差三數十年。

新舊作品的對比，

能看得到參展者的創作，

有沒有發生什麼改變。

聽到一些觀眾對個別參展者的

新舊作品提出個人感受：

有些人較喜歡他的新作；

有些人卻更喜歡他的舊作多一些。

創作人在他的創作時間軸上，

是自然漸漸改變了作品的面貌；

抑或是刻意改變作品的理念與創作方式？

有沒有考慮觀眾的審美愛好？

無論改變的動力和動機是如何，

改變都會導致喜歡自己的觀眾的更替。

創作日常174 -畫題卡為誰設計

最近觀看了一個畫展。  

這個畫展為每一位參展者

安排展出他的兩幅展品：

一幅是近作，一幅是舊作，

讓觀眾對照參展者在他的創作時間軸上，

有什麼發展或改變。

也正因如此，創作年份就很重要。

觀眾需要閱讀畫題卡上的資料，

以便知道參展者新作與舊作的創作年份。  

但畫題卡的字體太小，

細到一般眼力都看不清楚；

有老花眼的觀眾更不用說。  

其實畫題卡字體過小的情況

在很多展覽都經常出現。

原因可能是用小字體設計畫題卡，

在外觀上較有設計感，

為設計者所喜。

但卻忽略了畫題卡的功用，

以及觀眾的需求。

創作日常173 - 多工創作的情緒調適

最近正在創作的一幅畫作，

估計需要約一個月的時間方能完成。

繪製了幾天之後，

因反覆對著同一創作內容，

心境略覺沉悶。

於是加開繪畫另一系列的一幅畫作。

兩系列作品交替進行；

倘若覺得當下情緒適合繪畫某一幅，

便依勢而作，順情而為，

以打破沉悶的創作日常。

實踐這樣的創作流程，

發覺成效頗佳。

其實我看書向來在同一時間閱讀多本書。

這習慣已持續多年，

頗能契合自己「貪心」的性格。

唯獨繪畫先前未採用這種方式。

直到如今才恍然：

原來也能將此法應用於繪畫之上。

創作日常172 - 捐款機受助單位集體化

西九文化區於 2026 年 7 月 1 日起，

於轄下不同場地設置 10 部自助捐款機。

西九表示，這些捐款機並非以眾籌為目的，

因為小額捐款僅佔贊助或捐款收入的一小部分。

其核心意義在於，

將捐助定位為一種公民參與：

透過讓市民以小額方式投入文化藝術，

體現市民與香港文化藝術之間的共同承擔。

撇開自助捐款機的原本設計目的，

這項安排頗具新意，

也值得更廣泛推廣。

尤其是對中小型藝術文化設施或文化活動而言，

該模式具有可行性與適配性。

由於中小型藝術單位的營運預算相對有限，

自助捐款機即使只能籌得較小額捐款，

但在比例上更可能對其營運預算形成實質支持。

不過，中小型藝術單位未必具備條件

自行設置自助捐款機。

若能由具規模的機構或平台

向多個中小型單位提供「集體自助捐款機」服務，

讓捐款人可在機器上自行揀選心儀的受助對象，

便有望同時達到籌款與鼓勵公民參與藝術的雙重目標。

在實務層面，

相關當局或平台可事先制定參與單位的性質與要求，

並建立清晰的合規機制與配套激勵，

例如：受捐助者及捐助者均要完成有關的稅務申報及

可申請免稅的條件等，

以確保制度透明、合理，亦降低參與門檻。

整體而言，這種以小額、可選擇、

可參與為特徵的捐助安排，

不僅能改善中小型藝術單位在資源上的壓力，

也能在更大層面推動本地文化藝術的支持與傳承，

鼓勵公眾成為文化生活的積極共同參與者。

創作日常171 - 自困於工作室的創作低潮

最近與一位半年前開始租用工作室

作為創作空間的畫友閒談，

畫友說她仍然未能有效與工作室融為一體，

產生創作動力和激情。

她目前仍在不斷改變工作室的設置與設施，

以求融入物理空間的最佳狀態，

希望能藉此提升創作渴望。

一旦擁有了專屬工作間，

創作者對物理空間的條件往往會

變得更講究，也有更高的要求。

若感到物理環境與創作需求不協調，

就會「周身唔自在」（渾身不自在)，

很難安心創作。

於是，他們必會先專注於改善環境，

例如：調整燈光與角度、

窗簾的透光度、

工作椅的方位、電腦與畫具的擺放，

以及作品的收納方式等。

這些細節可能會反覆修改，

直到某一次創作過程特別順利，

工作室的整體狀態才會大致定下來。

不少創作者（包括我自己）

都經歷過這個工作室適應期。

但時間飛逝、租金白白流失，

我們有必要盡快克服這個階段。

只要工作室的佈局大致堪用，

就應該立刻「埋位」創作，

不要自困。

創作日常170 - 畫展 vs 畫冊

最近看了一個水墨畫家的回顧展，

展出畫家由最初學習繪畫，

至成為獨當一面的畫家的畫作。

展覽根據畫家藝術創作的不同階段分區，

重點展出每一階段的代表作。

展覽的場地佈局很人性化，

順著展場四周白牆展出畫家不同階段的作品：

學畫階段、初期創作、中期創作，

最後到成熟期創作。

每區都有中英文雙語介紹畫家的

創作狀況及作品內容，

資訊非常豐富。

既然展覽做得這樣好，

當然買了一本展覽畫冊留念。

畫冊提供的資料比畫展資料更詳盡，

但整體「入腦力」遠不如現場展覽強。

現場可以看到真跡，

看到原作尺幅的作品，

感受到其能令人心動的“證據”。

但展覽畫冊的圖片卻微縮得很小，

很難看出畫作表達的情感元素。

其實畫冊的圖片若能做得大一些，

並有畫作局部放大，一定更好。

個人觀展及購書結論：

畫展最好親身現場觀賞。

畫冊可作延伸賞析，

並留作心頭好記念。

創作日常169 - 策展講心也講金

與一位策展人商討舉辦一個藝術展覽時，

他第一個要知道的策展條件，

是這個展覽的預算支出上限（包括他的策展酬金）。

因為要先有預算，才能考慮其他實務安排，

包括展覽規模、參展人數

（有些參展者可能要支付參展費；

有些則可以收取參展費）、

展覽作品數量、場地選擇、

場地佈置及其他場務安排。

策展人表示沒有預算，

很難策劃一個好的展覽，

因為很難一邊策展、

一邊尋找資金。

然而，

策展人也表示他曾策劃過一個無預算的展覽，

但那是一個實際上沒有上限的預算：

展覽的贊助商贊助了一大筆資金，

怎麼也用不完。

他說真懷念那些年代的業界好景氣的美好時光。

創作日常168 - 參與某一種“亞流派”的創作

每種藝術流派流行起來，

創作性格或美藝興趣與它契合的創作人 

會追隨以這種流派創作，

直至這種藝術流派開到荼蘼; 

或有新藝術藝術流派興起成為新主流。 

有些創作人會離開這種藝術流派，

轉到其他藝術流派或形式創作。

因參與創作人數驟減， 

這種藝術流派之後會變成小眾藝術類型。 

但總有些創作人會繼續跟隨這種藝術流派創作， 

並努力為藝術流派作出改革， 

若成功有可能創造或伸延出

一種或多種「亞流派」。 

「亞流派」若強勁，

可自成新流派，

「亞流派」若衰弱，仍能存在, 

但成為原本流派的長尾， 

在藝術大河中繼續發揮其影響力。 

繼續跟隨某一種「亞流派」創作，

從藝術流派不斷改變的角度看，

創作人往往有不合時宜的壓力。 

但能夠堅持創作下去的，

卻有藝術改革及保育的使命感和滿足感。

創作日常167 - 急不來的圖像培育

最近構思創作水墨畫，

想加入兩個新圖像元素，

目的為創作添加新內容。

但創作並不順利。

檢討原因：

新圖像與作品整體風格在視覺上不協調。

不協調的原因是兩個圖像元素畫得不好。

只好暫時放棄這兩個圖像元素的繪製。

對於這兩個元素，我仍然鍾愛。

希望靠多練習繪寫，經時日浸淫，

逐步更好掌握技巧，

能成功加入未來的畫作中。

欲速不達。

創作日常166 - 畫一幅水墨畫幾時停

最近為了參與一個水墨畫聯展，

決定繪畫兩幅六尺全開（整張）（180 × 97 cm）的

水墨畫參展。

已經幾年沒有繪畫這種較大尺幅的畫作了，

技術生疏了。

繪畫第一幅水墨畫，

畫到一半就把畫作畫壞了，

所以要立刻放棄，以免浪費時間和心力。

繪畫第二幅水墨畫進展順利，

但要決定何時停筆。

因為過早停筆，

會令畫作完成度不夠；

過遲停筆，則會讓畫作“拖滯”。

繪畫第三幅水墨畫不夠時間完成，

必須在展覽前一天停筆。

一次參展，

經歷了繪畫一幅水墨畫

在三種狀況下必要停畫的經驗。

今次參展的創作過程中，得着不少啟發。

創作需要技巧，才能減少畫壞畫的情況；

創作需要經驗，才能知道畫一幅畫何時要停；

創作需要計劃，才能讓自己不會來不及完成畫作。

最好多多參展。

創作日常165 - 創作為了參展

2026年3月接受了一個突如其來的

參與一個於2026年5月舉行的水墨群展的機會。

在此之前的一段長時間，

都有繪畫小品水墨畫怡情。

繪畫小品畫用的時間較少，

生活中小小空檔就隨時可畫。

但現在將要參與一個聯展，

而策展人表示我會有一個

闊八尺的展覽空間，

於是我忽然想再畫兩幅六尺（整張）

(180 × 97 cm）的

水墨畫新作水墨畫參展，

以善用展覽空間及趁機舒發創作興致。

因為有新創作平台，

才會考慮新的創作的內容，形式和方法。

生活上的改變，

對創作有決定性的影響。

從另一個角度看，

想在創作上有些改變，

可以改變生活的習慣和方式，

借這些改變引發創作上的改變。

創作日常164 - 參與展覽的黑盒畫作

 

2026年5月中將參與《新水墨匯聚展》。

在2026年3月時通知《新水墨匯聚展》大會，

我在《新水墨匯聚展》會展出兩幅

六尺全開（整張）(180 × 97 cm）的水墨畫新作。

我自己預計兩個月可完成創作。

我在三年前曾創作了幾幅六尺（整張）開水墨畫創作。

畫幾幅大尺幅的水墨畫需要消耗大量體力和時間，

且要求持久的創作耐力。

如無特別原因很難有動力去創作大尺幅畫作。

之後三年間沒有再畫大幅畫，只畫小品怡情。

現在將要參與一個聯展，

忽然想再畫兩幅六尺全開水墨畫參展，

以舒發創作興致。

誰知久未創作，技術生疏了，

還畫壞了一幅畫，令創作時間更加緊逼。

距離展覽還有幾天，

畫作還未完成。

所以要閉關創作，

希望趕得及完成。

因此，我現在也不知道，

要展出的畫作最後是甚麼模樣，

可以說，對我來說，

到作品在畫展面世之前，

這是一個黑盒畫作。

創作日常163 - 鬆手不回的創作技術

2026年5月中將參加一個水墨畫群展。

這次參展想展出兩幅

六尺全開（整張）（180 × 97 cm）的水墨畫。

我年前修讀了一個水墨畫課程。

課程要求學生的結業作品大於

四尺全開（整張）（138 × 69 cm）。

就水墨畫而言，四尺全開（整張）

被歸入為大尺寸的畫。

對於一般學生來說，

需要一定的訓練才能掌握所需的技巧，

去完成繪畫一幅這樣尺寸的畫作。

這包括如何處理大畫幅的構圖、筆墨運用等技巧。

我在水墨畫課程的學習過程中，

一步一步加大畫作的尺幅，

最終進展到可以畫出幾幅六尺全開水墨，

並作為功課完成課程。

畫幾幅大尺幅的水墨畫需要消耗大量體力，

且要求持久的創作耐力；

完成功課後心力交疲。

之後三年間沒有再畫大幅畫，只畫小品怡情。

現在將要參與一個聯展，

忽然想再畫兩幅六尺全開水墨畫參展，

是有點任性，以舒發創作興致。

誰知久未創作，技術生疏了，

還壞了一幅畫，令創作時間更加緊逼。

距離展覽還有幾天，

所以要閉關創作，

希望趕得及完成。

事情的教訓是：

鬆了手的東西，

有時是會再難抓回來的。

創作日常163 - 藝術創作兼職化

最近我在 YouTube 上看了一次訪談：

金成訪問邱禮濤。

談話的重點當然是

邱禮濤的新片《我們不是什麼》。

訪談進行到後段，

主持人把話題延伸到

電影職業的發展和未來的可能狀況。

邱禮濤提出一個推測，

有關的內容如下：

香港電影相關職業，

某種程度上可能會走向更接近

現在的「畫畫」職業狀熊：

從業員可以很喜歡電影，

但它未必容易讓人發達，

也未必容易讓人靠它養家。

可把他作為兼職的形式參與 ，

要另有正職謀生，

但志趣上把電影當作主業去追求。

邱禮濤的推測，不知會否應驗。

他提到「畫畫」這項職業狀況

又確實所言非虛的。

很多從業員真的用兼職的形式參與，

但以主業的態度從事，

另有正職。

其實處於這種狀態也不壞，

生活壓力不至太大。

柴米油鹽醬醋茶，

總得要先處理及正面面對。

創作日常162 - 舊系列創作「畫唔返」

最近整理舊畫作的紀錄及貯藏，

發覺隔了一段時間，

很多舊作系列若想繼續畫下去，

都應該「畫唔返」（再畫不到了）。

畫作的形式及表達方法可以繼續下去；

「畫唔返」的， 

是某一段創作時期的生活感觸與內在情懷。

這很難重複。

在某一段時空裡，

有特定的內在情緒與外在感應，

都是獨特的。

時空及人際處境關係一變，

所謂事過境遷，

要表達於創作上的情懷也不同；

這會影響到，要用不同的畫作形式與內容去盛載。

畫下去，就是新的系列創作了。

所以，我會提醒自己，

不要勉強緊跟「舊系風」畫下去。

當對人生有某種新感觸而想創作時，

就盡情順著它創作下去就是。

創作日常161 - 創作給誰看

幾個月前出版了一本圖文書，

書已在各大書局銷售了一段時間了。

遇到熟絡的親朋，

話題也會提到這本圖文書上。

言談間得知，大多數他們，

都沒有購買這本圖文書。

原因大概是： 

我的書的內容對他們缺乏吸引力，

或缺乏他們讀一本書所需要的

新鮮感，好奇心和距離感。

但其中一位朋友表示

她在書局「打書釘」，

看完了全本書，

所以也不用買。 

那麼，購買我的書，又是什麼人？

根據以上數據，

購買我的書大多數是與我太不熟絡的人，

和我生活社交距離較大，

對書有較大想像空間。

他們願意付出過百港元購買我的書，

一定有他們購書的理由，

我都好想知，

因為書會繼續出，

希望將來出版的書能夠繼續吸引到他們。

創作日常160 - 畫框都要斷捨離

最近要進行斷捨離一些物件，

以騰出一個較大的空間，

用來創作一些較大尺寸的作品。

發覺最容易騰出空間的是斷捨離

不同尺寸的畫框。

之前參與了多個畫展，

展出作品時，

興高采烈地去裱畫及裝裱作品。

但展覽完後，要取回並妥善儲藏這些畫作，

反而變成一件麻煩事，

情緒也跟著低落下來了。

幾幅裝框畫紮在一起，

己經佔地像一個雪櫃了。

一般家居或小型工作間

很難儲藏多套這樣的畫作。

所以畫框盡量掛上牆上，

才不會佔用空間。

但有那麼多牆壁嗎？

過多的畫框，最後只能棄置。

這次斷捨離，棄置了多個畫框。

接下來的展覽，

我決定不會重用舊畫框，

因為想創作較大幅的作品。

創作之前，

要考慮畫展結束後如何收藏作品；

這也又影響了創作的方式與表達手法。